Author: isgrafik

Listamaðurinn Arnór Bieltvedt heldur myndlistarsýningu í sal Grafíksalnum frá 24. mars til 1. apríl 2023.

Sýningin ber heitið “Á Milli Heima” og samanstendur af um 20 málverkum.

Opnunin er föstudaginn 24. mars klukkan 17:00 til 20:00. Grafíksalurinn er staðsett í Hafnarhúsinu, Tryggvagötu 17, hafnarmegin.

Málverkin rannsaka rýmið sem býr á milli innblásturs Van Gogh og nútímalistar, Kaliforníu og Íslands, hlutbundinnar og óhlutbundinnar tjáningar og fullunniðs málverks og verks sem er enn í vinnslu.

Arnór hlaut BFA gráðu í málaralist frá Rhode Island School of Design og MFA gráðu í málaralist frá Washington University í St. Louis. Hann nam einnig hagfræði og markaðsfræði í Þýskalandi og Bandaríkjunum. Arnór hefur haldið fjölda samsýninga og einkasýninga í Evrópu og Bandaríkjunum undanfarna þrjá áratugi. Í dag býr hann ásamt fjölskyldu sinni í Pasadena, Kaliforníu, þar sem hann fæst við listsköpun og listkennslu.


Arnor Bieltvedt/Artist Statement

The distinctive volcanic and glacial landscapes of his native Iceland and the sunlight and flora of his Southern California home comprise the visual memories Arnor Bielvedt draws upon in his painting. Like generations of Icelandic artists before him (including Nína Tryggvadóttir and Kristján Davídsson, two inspirations), the intensity of these landscapes inspires Bieltvedt to perceive his surroundings deeply, search for distinctive elements and seek to understand how they connect as a whole. His abstract paintings express his admiration for nature, its beauty on the surface and its underlying force and strength. Abstraction allows him to focus on color relationships with the aim of organizing essential impressions and memories into painted poetry.  His figurative work provides a point of access to more traditional influences, especially Vincent van Gogh. Through both his non-objective and representational painting, Bieltvedt expresses reverence for his inspirations and explores the pull between stylistic modalities.

Bielvedt paints quickly across the canvas, his gestures expressing feeling through intense mark-making and varied contrasts and rhythms that form an unrestrained but confident, harmonious whole. Faced with the unresolvable tension between figure and ground, paint and surface, he immerses himself in the medium itself, painting physically and emotionally, an action he attributes to the influence of Jackson Pollack and Joan Mitchell. Like the abstract expressionists, Bieltvedt cedes control over his work to the material process. He contemplates the technology of paint—its saturation, texture and plasticity—by painting with a variety of media, overlaying base layers of acrylic washes with lines of paint pen in search of the emerging structure and emotion of the composition.  Eventually the painting becomes infused with life and energy through the use of thick layers of oil paints often applied with swift, energetic strokes of the palette knife atop the acrylic under-painting. Matte acrylic washes juxtapose slick layers of impasto, allowing the oil to shine. 

The work displays a radical and free use of color, as well as experimentation with composition, scale, and structure. Anticipating the interaction of color as he saturates the field, Bieltvedt applies the paint directly to the canvas rather than a palette, with a focus on one color or two. Seeking to understand light and space, in his early work he challenged himself to paint only in black and white. For Bieltvedt, color becomes the anchor, fomenting equilibrium by virtue of its interaction across hues. Informed by the unspoiled landscape of his Nordic home, a country built on shades of blue, he understands that the play of nature’s light on its varied colors cannot be truly replicated. Instead, he aims to paint its opposite: Bieltvedt employs imagined color to represent a pure expression of humanity and life.


Arnor Bieltvedt

Biography


Arnor G. Bieltvedt is an artist whose intuitive, expressionistic abstract paintings have a connection to the landscapes of Iceland, the country of his birth, and southern California, where he currently resides. Born in Akureyri, Iceland, he spent his youth in Reykjavik—both cities are known for their seaside beauty. His education took him from Europe to the United States, receiving first a degree in Economics and Social Sciences from the University of Augsburg, Germany and then a B.S. degree in Marketing and a M.S. degree in Managerial Technology at Johnson & Wales University in Providence, R.I.  In 1989, Bieltvedt’s interests turned to art. He pursued a B.F.A. degree in Painting from the Rhode Island School of Design in Providence and an M.F.A. degree in Painting from Washington University in St. Louis, MO.  Bieltvedt’s paintings are in private and public collections in the United States, Europe and Asia, including the collections of the Reykjavik Art Museum. His work is represented by Galleri Tornby in Denmark and Anne Loucks Gallery in Chicago, IL. Currently Bieltvedt serves as Visual Arts Department Chair and Gallery Director at Polytechnic School in Pasadena, California. He lives and works in Pasadena, California.

Between Worlds

My exhibition is composed of paintings that all live in between opposing worlds. Most of them I worked on for over a decade, as they were often painted over and reworked until they gradually found their way, through birth and rebirth,  and settled in their current state.  How they present themselves today, at their final destination, represents the resolution and compromise between these opposing worlds.

The first in-between consideration for me is the space between the state of being a finished painting and the state of being a work in progress.  Picasso maintained that if you finish a painting you kill it.  Its heartbeat stops.  This delicate point of staying fresh and alive is addressed in each of the works in the exhibition.

A second in-between point of interest to me  is the question of figurative representation  versus non-objective abstraction.  In the spirit of the great American painter, Philip Guston, I resolved this dilemma by painting what I want to see, allowing each painting to find its life in the non-objective, objective, or somewhere in-between stage of abstraction.

A third in-between consideration of mine has to do with the idea of time and specifically the history of painting.  The artists of the past still influence the artists of today.  Their voices can be heard in contemporary works like echoes of the past.  One’s inspirations, like good teachers, guide one to seek certain answers, follow certain paths, but ultimately one’s only hope for true growth is to find oneself.  It is this in-between space between the inspiration of great art and traditions of the past and the contemporary interpretation/expression of the world we live in today that needs examining.   My images of Vincent Van Gogh, Frida Kahlo and other faces/portraits express in a variety of techniques and media my appreciation for past traditions and artists and my need to take risk with new ideas in painting and find my own unique voice as an artist.

Having moved from my native home of Iceland as a young man I have explored the in-between space of one’s original roots and my later homes around the world.  The contrast between the golden light and purple shadows of Californian beaches and Icelandic textured mossy lava rocks can exist in the same space as complements in painted poetry.

Art-making requires an in-between mindset.  Through the act of creating art, one has to summon one’s creative spirits, allow ones intuition to come alive and create without inhibitions. I have poured years of my love for painting into these paintings.  They traveled long and complex distances to get where they are today.   I hope you will enjoy the exhibition and meditate on your own in-between worlds.

(English below)

FERNA er ný sería ætinga eftir Emiliu Telese, sem sýnd verður í Grafíksalnum, Hafnarhúsinu, hafnar megin, 4.-19. mars.
Opnunarkvöld laugard. 4. mars kl 17:00-19:00.
Opið verður miðvikudaga til sunnudaga kl 12:00-18:00.
Verið öll hjartanlega velkomin.

Fernur, gerðar úr mörgum lögum af plasti, pappír og áli, eru algengar í lífi okkar og eru t.d. notaðar undir mjólk, safa og aðra drykki. Fernur sem þessar eru hins vegar þekkt umhverfisvandamál, þar sem ekki er hægt að endurvinna þær eins og venjulegan pappírsúrgang, heldur þarf sérstakt endurvinnsluferli til að aðskilja þau efni sem fernurnar samanstanda af. Fyrir vikið eru aðeins 20% slíkra ferna endurunnin um allan heim, meðan 80% þeirra eru urðuð.

Emilia Telese sameinar hér þjálfun sína í aðferðum endurreisnartímabilsins og huglæga listsköpun, sem hefur verið hennar aðalsmerki síðastliðin 25 ár. Með nýtingu þessara marglaga drykkjarferna hefur hún nú skapað röð verka sem kortleggja
tilfinningaleg ferðalög um innileg augnablik lífsins, bæði á Ítalíu og á Íslandi.

Emilia leikur sér með andstæðurnar sem hefðbundnar listsköpunaraðferðir mynda við hversdagslegan efnivið. Efnivið sem í fljótu bragði gæti sýnst einskis nýtur, en er í raun viðvarandi öldum saman sem hluti af þeim iðnaðarúrgangi sem safnast fyrir á
jörðinni. Veðruð áferðin á yfirborði fernanna endurspeglar þá viðkvæmni lífsins og þau hverfulu augnablik sem við föngum í huga okkar; minningar um fjölbreytt tilverustig okkar, ljós og skugga lífsins.

Ferna er framhald hugmyndafræðilegra og formlegra rannsókna Emiliu Telese á áþreifanleika listforma og aðgreiningu samfélaga á verðmætum, milli listamanna og listmunanna sem framleiddir eru.
Verkið Ferna inniheldur 10 nýjar ætingar í breytilegu upplagi, en allt að fimm prent má gera þar til fernan er ekki lengur nothæf til prentunar. Sem hluta af þessu sama verki hefur Emilia auk þess framleitt þrjár ætingar í samvinnu við ítalska hönnuðinn og
listamanninn Edoardo Malagigi, en undanfarin ár hefur hann notað samskonar umbúðir til sköpunar á stórum skúlptúrum.

Emilia Telese útskrifaðist úr málaralist frá Listaakademíunni í Flórens árið 1996 og í framhaldi nam hún við háskólann í Brighton (Printmaking), háskólann í Sussex (Art Management), háskólann í Warwick (Cultural Policy) og háskólann í Loughborough (Social Science), þaðan sem hún lauk svo doktorsgráðu (AHRC CDA
PhD) árið 2020. Frá árinu 1994 hefur Emilia sýnt verk sín víða um heim.

We welcome you to Emilia Telese’s exhibition. FERNA is a new series of etchings by Emilia Telese, which will be shown for the first time at Ìslensk Grafìk – The Association of Icelandic Printmakers in Hafnarhúsið, Reykjavík, Iceland.
Openingnight: Saturday 4th of March at 17:00-19:00.
Opening hours: Wednesdays to Sundays 12:00-18:00.

Aseptic cartons (ferna in Icelandic), made of multiple layers of plastic, paper and aluminium, are a common feature of our life, containing, for example, milk, juice, and other beverages. Yet they are a known environmental problem, as they cannot be recycled like normal paper waste, but need to go to special recycling units for separation of the different materials. As a result, only 20% of them are recycled worldwide, with the rest going to landfill.

Combining her Florentine training on Renaissance techniques with her practice as a conceptual artist over the past 25 years, Emilia Telese has created a series of works on multi-layer beverage cartons, charting emotional journeys about intimate life moments in Iceland and Italy.

Telese plays on the contrast between traditional art techniques and everyday materials which appear throwaway, but which in fact endure on Earth for centuries as part of the Earth’s industrial waste. On their surface, the weathered texture of the cartons reflects the fragility of life and the fleeting moments we capture with our mind’s eye, memories of the different stages of our existence made of lights and shadows.

Ferna continues Emilia Telese’s conceptual and formal research focusing on the tangibility of artforms and society’s separation of value between artists and the artefacts they produce.
The exhibition includes ten new etchings by Emilia Telese in variable editions of up to five prints, or until the carton is no longer printable. In addition to these, as part of this project, Emilia Telese has also produced three joint etchings in collaboration with Italian designer and artivist Edoardo Malagigi, who has been using carton packaging to create large scale sculptures for the past few years.

Emilia Telese (b. 1973) born in Italy, based in Reykjavík, Iceland. Emilia graduated in Painting from Fine Arts Academy in Florence in 1996 with a particular interest in XIV Century techniques, the Italian Trans-AvantGarde movement and contemporary performance. She subsequently furthered her studies at the University of Brighton (Printmaking), University of Sussex (Arts Management), University of Warwick (Cultural Policy) and University of Loughborough (Social Science). She has exhibited worldwide since 1994.

Senn líður að útgáfu hinnar árlegu Grafíkvinamyndar hjá Íslenskri grafík. Listamaður ársins 2023 er Þórður Hall og verða verk hans tíl sýnis 3.-5. febrúar í sal félagsins á Safnanótt og um þá helgi.

“Uppspretta að mínum myndum er að megninu til íslensk náttúra, margbreytileiki hennar og samspil forma og ljóss í misjöfnum veðrum og árstímum. Það er mikilvægt fyrir mig að vera í snertingu við náttúruna og hið lifandi land sem enn er í mótum og mér mikill fjársjóður við öflun myndefnis. Eins er farið með þessa grafíkmynd sem er hluti úr myndaröð og skorin í dúk. Í gegnum tíðina hefur ég unnið jöfnum höndum með málverk, teikningar og grafík.” ÞH

“Landsýn”

Stærð myndarinnar er 15,0 x 12,5 cm, stærð pappír 28,0 x 20,0 cm í 80 eintökum. Lukas Studio Linol þrykklit á Hanemüllepappír 230 gsm. Tækni er dúkrista.

Þórður Hall stundaði nám við Myndlista- og Handíðaskóla Íslands, Myndlistaskólann í Reykjavík og framhaldsnám við Kungliga Konsthögskolan í Stokkhólmi. Hann hefur haldið á annan tug einkasýninga og tekið þátt í fjölda samsyninga bæði hér á landi og erlendis. Þórður hefur tekið vikan þátt félgsstarfi fyrir Íslenska grafík á árum áður. Hann starfaði um árabil við kennslu í Myndlista- og handíðaskóla Íslands, Iðnskólann í Reykjavík og Tækniskólann. Hann er félagi í Íslenskri grafík, Félagi íslenskra myndlistarmanna, Sambandi Íslenskra myndlistarmanna og Grafikens Hus í Svíþjóð. Verk eftir Þórð eru m.a. í eigu Listasafn Íslands, Listasafn Reykjavíkur.

Á Safnanótt verða Grafíkvinamyndirnar kynntar eins og verið hefur, í húsnæði félagsins Tryggvagötu 17, hafnarmegin, föstudaginn 3. febrúar kl. 18.00-20.00.

Einnig verður hægt að nálgast verkið laugardaginn 4. febrúar og sunnudaginn 5. febrúar á opnunartíma sýningarsalarins kl. 14.00-17.00 eða síðar eftir samkomulagi.

Greiðsla vegna verksins verður innheimt í gegnum heimabanka en þeir sem kjósa það frekar, geta greitt verkið á staðnum. Einungis greidd verk eru afhent. Verð er kr. 15.000-.

Það eru ennþá fáanleg verk eftir m.a. Kristján Daviðsson, Kristínu Gunnlaugsdóttur og fl.

Tilboð fyrir Grafíkvini, “Innrammarinn” á Rauðarástíg er með 15% afslátt á innrömmunn á grafíkvinamyndum.

Grafíkvinir eru mikilvægur bakhjarl félagsins.          Allir velkomnir! Ókeypis aðgangur!

Jelena Antic heldur sýningu á málverkum í Grafíksalnum 14.-22. janúar.

Sýningin ber heitið Ritað í rými / Writing Into Space og verður opnuð laugardaginn 14. janúar kl 14:00.

Sýningin mun standa til 22. janúar og verður opin miðvikudaga til sunnudaga kl 14:00-18:00

Verið öll hjartanlega velkomin.

Emilia Telese, Inga Huld Tryggvadóttir, Maria Sjöfn, Petra Kallio

Við bjóðum ykkur öll hjartanlega velkomin á sýningu okkar “Samkoma” þar sem fjórir nýir meðlimir í Íslenskri Grafík sýna verk sín.

Grafíksalnum, Hafnarhúsi, Tryggvagötu 17, 101 Reykjavík

Opnun föstudaginn 9 Desember kl. 17 – 19

Sýningin er opin til og með 23 Desember

Opið mið. til sun. kl. 12 – 17

Emilia Telese útskrifaðist í málaralist frá Listaakademíunni í Flórens árið 1996 og í framhaldi nam hún við við háskólann í Brighton og við háskólann í Sussex. Hún lauk doktorsgráðu frá háskólanum í Loughborough á Bretlandi árið 2020. Hún hefur sýnt víða um heim frá árinu 1994, þar á meðal í Louvre (París 2012), New Forest Pavilion á 51. Feneyjatvíæringnum (Feneyjar, 2005), Ars Electronica (Linz, 2002 – 2003), ZKM (Karlsruhe, 2007), The Freud Museum (London 2010) svo fátt sé að nefna. Hún vinnur þvert á hefðbundna miðla með tímatengdum verkum og með áherslu á þemu um meðvitaða þátttöku, pólitíska og samfélagslega umræðu og táknræn líkamleg samskipti sem vekja upp spurningar um okkar samfélagslegu margbreytilegu mynstur.

Inga Huld Tryggvadóttir útskrifaðist frá San Francisco State University árið 2005 með BFA í prentsmíði og einnig MFA í prentsmíði frá Pratt Institute, NY, árið 2007. Hún hefur tekið þátt í samsýningum og haldið einkasýningar í Bandaríkjunum og á Íslandi. Hún hefur að mestu unnið að pappír, bæði í formi prenta og teikninga. Undanfarin ár hefur hún einbeitt sér meira að verkum úr endurunnum áldósum, bæði bjór- og gosdósum, og unnið með hugmyndir um áferð og hið óvænta.

María Sjöfn útskrifaðist frá Listaháskóla Íslands með M.A. í myndlist 2020 og M.A.diplóma í listkennslufræðum 2014. Maríu Sjöfn vinnur í mismunandi miðla og oft með náttúruleg fyrirbæri sem taka á sig mynd sem innsetningar, í þrívíð form sem skúlptúrar, video-innsetningar, ljósmyndun og teikningu. Í verkum sínum fjallar hún um fjölþætta skynjun umhverfisins með innsýn í innra og ytra samhengi rýmis og efnis. Oft en ekki svo augljóslega þá er hún að kanna snertifleti manns og umhverfis á gagnrýninn hátt í marglaga þekkingarsköpun.

Petra Kallio útskrifaðist með meistaragráðu í menningar- og listfræði frá Turku University of Applied Sciences 2016 og meistaraprófi frá Lista- og hönnunarháskólanum í Helsinki, 2006. Verk hennar sameina hefðbundna prenttækni og bakgrunn hennar sem gullsmiður og hönnuður úr og noter efni sem dæmi við, málm, gler og steinefni. Í verkum sínum kannar hún eilífðina og viðkvæmnleika lífsins.

An exhibition of work by new members of Islensk Grafík – The Association of Icelandic Printmakers
ÍG Gallerí – Tryggvagata 17 – 101 Reykjavík
Private view Friday 9 December 5pm
Open Weds – Sun 12pm – 5pm
Exhibition continues until 23 December
The exhibition will feature new work by all four artists.

Emilia Telese graduated in Painting from the Fine Arts Academy in Florence in 1996, subsequently furthering her studies at the University of Brighton, University of Sussex and a PhD from the University of Loughborough, UK, in 2020. She has exhibited worldwide since 1994, including the Louvre (Paris 2012), the Venice Biennale (2005), Ars Electronica (Linz, 2002 – 2003), ZKM (Karlsruhe, 2007), The Freud Museum (London 2010) and more. Her practice crosses traditional media with time-based practice, focusing on themes of conscious engagement, political and social debate, non-verbal communication and the questioning and deconstruction of social behaviour.

Inga Huld Tryggvadóttir graduated from San Francisco State University in 2005 with a BFA in Printmaking and also an MFA in Printmaking from Pratt Institute, NY, in 2007. She has participated in group exhibitions and held solo exhibitions in the US and Iceland. She has worked mostly on paper, both in the form of prints and drawings. In recent years she has focused more on works made from recycled aluminum cans, both beer and soda cans, working with ideas of texture and the unexpected.

María Sjöfn holds an M.A. in Fine Art from the Iceland University of the Arts in 2020, and an M.A.dipl. in Art Education from Iceland University of the Arts in 2014. Her multidisciplinary works with forms of natural phenomena, often taking the shape of installation and involving sculptural interventions such as video, sound, photography and drawing. María Sjöfn’s process of development begins with experimentation focusing on multifaceted perceptions of the environment, and in particular the inner and outer contexts of space and matter. Sometimes not so obvious, she is critically exploring the relation of the human being and the environment.

Petra Kallio graduated with a Master of Culture and Arts studies from Turku University of Applied Sciences 2016 and a Master of Arts from the University of Art and Design in Helsinki, 2006. Her work combines traditional printmaking techniques with her background as a goldsmith and a designer of hard materials like wood, metal, glass and stone. In her work she explores eternity and the fragility of life. See less

Verið velkomin á opnun sýningar Friðriku Gunnlaugar Geirsdóttur föstudaginn 18. nóvember kl 17-19 í Grafíksalnum, Hafnarhúsi, Tryggvagötu 17, Reykjavík. Inngangur er hafnarmegin.

Sýningin ber heitið T I L T E K T en þar eru viðraðar ólíkar myndir frá ýmsum tímum.

Sýningin mun standa til 4. desember og verður opið fimmtudaga til sunnudaga kl 14 – 17.

Verið öll hjartanlega velkomin.

Laugardaginn 29. október klukkan 16 opnar Soffía Sæmundsdóttir myndlistarmaður sýninguna
Um stað/About a Place 29.10-13.11.2022 í Grafíksalnum, sýningarsal félagsins Íslensk grafík í
Hafnarhúsinu Tryggvagötu 17 hafnarmegin.

Á sýningunni eru stórar teikningar og verk á pappír og viðfangsefnið er staður á Suðurlandi sem er henni persónulega kær og hefur verið innblástur að ýmsum verkum gegnum tíðina. Hvað er þar? Kannski einhver óljós þráður? Glitofin perla upplifana og skynjunar í fylgsnum hugans sem hún
finnur þörf fyrir að koma frá sér í ýmsa miðla. Með því að kortleggja svæði minninga og færa í orð er dregin fram breytt landnotkun sem opnar á nýja nálgun. Skrásetning lita og upplifana í gróðri og náttúrufari er ómarkviss en rétt.Niðurstaðan tilviljunum háð og alls ekki ígrunduð. Samhliða sýningunni verður bókverk Soffíu sem hún nefnir:
Sveitin mín – Leiðarvísir gefið út í 100 tölusettum og árituðum
eintökum.

Soffía á að baki langan og farsælan feril. Hún hefur verið virk á myndlistarvettvangi frá útskrift úr grafíkdeild MHÍ 1991. Hún hefur staðið fyrir ótal sýningum, tekið þátt í samsýningum, rekið vinnustofu og verið virk í félaginu Íslensk grafík.

Sýningin er opin alla daga nema mánudaga frá klukkan
14-17 og stendur til 13. nóvember.

DJÚP MINNINGA 8. okt. – 23. okt. 2022

Gréta Mjöll Bjarnadóttir, Margrét Eymundardóttir og Ólöf Ágústína Stefánsdóttir
Opnun laugardaginn, 8. október kl 16.

Sýning í Grafíksalnum Hafnarhúsinu, Tryggvagötu 17. Gengið inn bakdyramegin.
Grafíksalurinn er opinn frá miðvikudegi til sunnudags kl 14 – 17.

Hver og einn einstaklingur fæðist með minningar forfeðra sinna og mæðra í frumunum. Eftir því sem á ævina líður hlaðast upp minningar, lifaðar og sögur frá öðrum. Þær hafa áhrif á okkur sem manneskjur. Hver erum við? Minningar ylja og minningar særa. Við opnum og lokum á þær til að geta haldið áfram daglegu amstri. Svo kemur að því að þær kalla á okkur, verða áleitnar og þarfnast krufningar. Á sýningunni Djúp minninga deilum við hver og ein minningum okkar í sameiginlegu rými sem mögulega kalla fram persónulegar minningar hjá áhorfandanum.

Rótin að sýningunni liggur í rannsóknarvinnu okkar, sem er sprottin úr jarðvegi listkennslu, listsköpunar og á sér samsvörun í reynslu okkar. Eftir að hafa kennt list- og verkgreinar um langt skeið höfum við að undanförnu unnið að undirbúningi námsefnis á því sviði. Markmið þeirrar samvinnu er meðal annars að kanna snertifleti listsköpunar, listkennslu og listrannsókna. Kennsla okkar hefur miðað að því að vekja áhuga barna og ungmenna ásamt því að hvetja þau til að dvelja í sköpuninni. Ef það tekst þá er markmiðum einstaklingsmiðaðrar kennslu náð. Með því að iðka list- og verkgreinar verður sköpunin að nærandi og styrkjandi afli. Áhugi á þessu sviði hefur leitt okkur áfram í flóknu starfi og þróunarvinnu. Við veltum fyrir okkur áleitnum spurningum um tilgang námsins í tengslum við: framtíðarsýn nemenda, eflingu sjálstæðis, velsæld, samfélagsbreytingar, listræn gildi og þarfir. Verkin á sýningunni byggja á þessum grunnþáttum og þeim sameiginlegu þráðum sem þeir kalla fram úr djúpi minninganna.

Plakat eftir Óðal Hjarn Grétu

�

Velkomin á sýningu Margrétar Jónsdóttur ÚTÓPÍA/STAÐLEYSA í Grafíksalnum Hafnarhúsinu, hafnarmegin þann 16 september kl. 16:00 til 19:00.

Sýningin stendur yfir til 2. október og er opin alla daga frá kl. 14 –18. Margrét sýnir verk sem hún hefur unnið undanfarin 3 ár og málað með náttúrulegum efnum.

Velkomin á opnun sýningar Aðalheiðar Valgeirsdóttur Grónar leiðir/ Fertile Paths í Grafíksalnum fimmtudaginn 25. ágúst kl. 17:00.

Á sýningunni eru ný málverk og vatnslitamyndir.

Málverk Aðalheiðar Valgeirsdóttur eru myndir af gróandanum í lífinu, dýrðinni, óreiðunni, hinu snertanlega og ósnertanlega, leiðum og leiðartálmum náttúrunnar; þáttum er leggja örlagavegi í lífi okkar. Gróðurinn, litauðgi og mild hreyfingin á myndfletinum lokkar okkur til sín, við svífum inn í myndirnar og öndum inn í hæga hreyfingu plantnanna sem greina má á þeim. Ef til vill erum við á göngu innan um vatnagras sem ættað er samt aðallega úr kvikmyndaminni. Ef til vill upplifum við einskonar draumaútfærslu á flækjum og lausnum í vökulífinu.
Inn í hvaða vídd veraldar erum við komin?
Við göngum inn í ástand, inn í lífræna óreiðu þar sem við þó vitum að ríkja afar heillandi og vel uppbyggð kerfi, sem starfað hafa frá því fyrir okkar tíma og munu starfa eftir okkar dag.
Þessi óreiða, ástandið, teygir sig útfyrir strigann. Striginn felur í sér uppstækkaða mynd af víðfeðmara umhverfi.

Í olíumálverkunum sjáum við glitta í heiðan himin eða bláleita vatnsuppsprettu á milli plöntustilkanna, sem raðast upp í eins og þunnu lagi af óreiðu. Þetta eru síkvik eilífðarmynstur sem hér eru fest í málverkinu. Í þessum verkum standa þeir sterkir en dreifðir svo loftrými myndast á milli þeirra, svokallað negatíft rými. Óræður bakgrunnurinn gefur engar staðarupplýsingar upp aðrar en þær að við séum stödd í skálduðu andrými, rými þar sem skynja má spennu vegna þess óræða sem býr inn á milli stilkanna og gæti mætt okkur á svipstundu. Við greinum ekki sérstaka árstíð, plönturnar búa yfir lífi og krafti en á þeim eru hvorki auðsjáanleg blóm né önnur merki um hvar í þeirra eigin lífshringrás við komum að þeim. Á sumum verkanna má etv. greina dýralíf á milli plöntustilkanna. Við erum minnt á að jörðin er lifandi og öll erum við hluti af lífskeðju, sem er í senn forgengileg, viðkvæm og sterk, falleg og fullkomin í breyskleika sínum.

Málverkin eru ekki gluggasýn af raunverulegu umhverfi, þau eiga sér ekki sérstakar fyrirmyndir og eru í raun ekki af ákveðnum stað eða tegundum heldur mætti segja að þau endurspegli ástand þess sem dýrkar náttúruna, litadýrð hennar, dulmagn og hina óendanlegu snilli sem býr í kerfum hennar; hinu háþróaða rótar- og boðskiptakerfi, óreiðukenndum sýnileika plantna ofanjarðar, dreifikerfi frjókorna með vindi og fyrir tilstilli skordýra og heilagri geómetríu forma þeirra. Sá sem dýrkar náttúruna er hluti af henni, við sem horfum á myndirnar fáum hlutdeild í skynjun á plöntulífi í gegnum sjónarhorn einhvers sem er meira en áhorfandi, sjónarhornið er þess sem er hluti af plöntuheildinni.

Á sýningunni má sjá bæði stór olíumálverk og minni vatnslitamálverk sem unnin eru á árunum 2021 og 2022. Þetta eru afar litrík verk, máluð af sterku innsæi og öryggi í þunnum lögum og tæpast í litatónum er sjást í íslenskri náttúru. Þetta eru lagskiptar myndir af dularfullu rými, er sveiflast á milli mikillar dýptar og birtu. Þessi birtingarmynd náttúrunnar gæti verið hvaðan sem er í heiminum. Það er suðrænn blær yfir litasamsetningunni, og hiti.
Við erum með sólina í bakið og okkur er hlýtt.
Á náttúrugöngu innan þessara mynda mýkist augnaráð okkar og opnast. Við verðum eftirtektarsamari, meðvitaðri um hringrásir lífsins og þessi slaka athygli gerir okkur andlega móttækilegri fyrir öðrum orkusviðum tilverunnar. Það er ávallt áhugavert að íhuga, á menningarlegum grundvelli, hvað gerist við það að myndgera náttúru og ennfremur náttúru sem ekki á sér raunverulega fyrirmynd. Er slík myndgerð leið til innra samtals við náttúruna í sjálfum okkur, náttúru sem hugarástands, leið til að tengja okkar eigið rótarkerfi neðar í jarðveginn?

 Birta Guðjónsdóttir